Кто такой художник, что он делает и как им стать — полный обзор профессии
2026-02-21 15:31 Diff
https://skillbox.ru/media/design/professiya-hudozhnik/

#статьи

  • 14 май 2025
  • 0

Кто такой художник, что он делает и как им стать — полный обзор профессии

Разбираем, какие навыки нужны художнику, какая у него зарплата, в чём плюсы и минусы профессии и что ждёт её в будущем.

Иллюстрация: Полина Честнова для Skillbox Media

Рассказывает о рисовании для игр и рисует сама. Прошла Night in the Woods семь раз и считает, что жить стоит ради звёзд в небе, гор, осени и Моники Беллуччи.

В широком смысле художник — тот, кто создаёт искусство в визуальной форме. Художники рисуют, изготавливают скульптуры, анимируют и устраивают инсталляции.

Подробно разберёмся в профессии художника и таких её аспектах:

Наша классификация — не строгий шаблон: границы между профессиями могут быть размыты, некоторые должности могут включать в себя сразу несколько направлений. Но это хороший ориентир, на который можно опираться на старте.

Огромная и самая прибыльная сфера для художников. Внутри неё очень много направлений: можно придумывать персонажей, рисовать окружение и предметы, заниматься спецэффектами, текстурами и анимацией, отвечать за композицию кадра и цветовую палитру проекта.

Эти индустрии почти целиком перешли в цифру, поэтому для работы там нужно владеть программами для рисования — о них мы поговорим ниже.

Подробно обо всех должностях внутри развлекательных индустрий — в наших статьях о геймдеве и анимации:

Примеры: аниматор в Disney Джин Ким, один из концепт-художников «Аркейна» Александр Махбоуби, один из художников по окружению в «Бегущем по лезвию 2049» Каймен Анев, Донлу Ю, концепт-художница по окружению Assassin’s Creed Valhalla.

Изображение: Джин Ким / DisneyИзображение: Александр Махбоуби / ArtStation / Netflix / Riot GamesИзображение: Каймен Анев / ArtStation / Alcon EntertainmentИзображение: Донлу Ю / ArtStation / Ubisoft Entertainment

Художники в максимально классическом понимании — они рисуют картины с использованием традиционных материалов: акварели, масла, акрила, карандашей, пастели, угля и других. Работают в разных жанрах, от портрета до абстракции.

Обычно они иллюстрируют печатные издания, рисуют на заказ, выставляются в галереях и продают картины в частные коллекции.

Примеры: художник Владимир Парошин, художница Джоанн Нэм, художник Дмитрий Лёвин, художник Джереми Манн, художник Сергей Маршенников.

Изображение: официальный сайт Владимира ПарошинаИзображение: Джоанн Нэм / tumblrЛевин Дмитрий, «Весенние будни», 2025
Изображение: Art HeliconИзображение: Jeremy MannИзображение: Сергей Маршенников / tumblr

Иллюстрация — это изображение, которое доносит идею или поясняющую информацию через визуальные образы. Иллюстрации бывают разных видов: например, как полноценная картина с единой композицией, фоном, нарративом и контекстом. Такие нужны в геймдеве для промоартов и загрузочных экранов, в издательствах для обложкек, внутренних иллюстраций и рисунков на коллекционных карточах, в кино — для плакатов, промоматериалов или питчинга проекта.

Ещё бывают визуально минималистичные иллюстрации, часто без фона и с ограниченным набором цветов. Они тоже встречаются в разных сферах, но в основном преобладают в дизайне книг, сайтов, приложений, фирменных стилей.

Примеры: книжный иллюстратор Ровина Кай, дуэт Бена Баухау и Эльзы Лами Eko Toko, художница Айсун Кутлу.

Изображение: Rovina Cai / The Folio SocietyИзображение: @eko_toko / «Инстаграм»*Айсун Кутлу
Изображение: Aysun Kutlu / Behance

Цифровой скульптор, создаёт объёмные модели чего угодно в специальных 3D-программах. Такие специалисты нужны в большом количестве сфер: в играх, фильмах, рекламе, производстве (например, игрушек или мерча), даже в медицине, где они моделируют протезы для людей и животных.

Примеры: Раф Грассетти смоделировал Кратоса для игры God of War (2018); Франк Торреальба смоделировал скин для Вдовы из Overwatch; Виталий Булгаров задизайнил и смоделировал «кукольное» тело Алиты для фильма «Алита: боевой ангел» и много персонажей и предметов для своей игры Mortal Shell, которую создал вместе с Дмитрием Паркиным.

Изображение: Раф Грассетти / ArtStation / Sony Interactive EntertainmentИзображение: Франк Торреальба / ArtStation / Blizzard EntertainmentИзображение: Виталий Булгаров / ArtStation / 20th Century StudiosИзображение: Виталий Булгаров / ArtStation / Cold Symmetry / Playstack

Профессии из геймдева на стыке технологий и творчества. Левел-артисты оформляют 3D-локации игры в игровых движках вроде Unreal Engine: следят за их красотой и композицией, расставляют элементы окружения по нужным местам, заботятся о текстурах и рендере.

Художник по освещению занимается светом на игровых локациях: настраивает в программе любое освещение от пасмурного до закатного так, чтобы свет вёл себя натурально и естественно. Иногда эта должность сливается с левел-артистом, а иногда выносится в отдельную категорию, потому что задачи по освещению могут быть очень объёмными и сложными.

Примеры: Евгений Войтенко и Дмитрий Аношка, работавшие над левел-артом в S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chernobyl; Марк Мочерад, главный левел-дизайнер в проекте Golden Tides; Том Бентковски, который работал над светом в проекте Star Wars Jedi: Survivor; Stefania H., которая трудилась над светом для Hitman 2.

Изображение: Евгений Войтенко / ArtStation / GSC Game WorldИзображение: Дмитрий Аношка / ArtStation / GSC Game WorldИзображение: Марк Мочерад / ArtStation / Psychedelic GamesИзображение: Том Бентковски / ArtStation / Electronic ArtsИзображение: Stefania H. / ArtStation / IO Interactive

Художники-преподаватели учат рисунку в художественных школах, колледжах, вузах, на офлайн- и онлайн-курсах. Преподавание широко охватывает все дисциплины: можно найти как классическое обучение традиционному искусству, так и курсы по современным направлениям, например концепт персонажей или окружения.

Примеры: популярный российский преподаватель и блогер Александр Рыжкин, известный преподаватель анатомии и блогер Стэн Прокопенко aka Proko, легендарный аниматор из Disney и преподаватель Аарон Блейз, популярный художник и основатель онлайн-школы Visign Хью Тео.

Изображение: Александр РыжкинИзображение: Стэн ПрокопенкоИзображение: Аарон Блейз / Creature art teacherИзображение: Хью Тео / ArtStation

Вручную декорирует разные предметы с помощью традиционных или современных техник. Расписывает посуду, вазы, люстры, подставки и другие элементы интерьера, сувениры вроде игрушек и миниатюр и даже мебель. Часто работает с народными промыслами: например, расписывает шкатулки в стиле палехской миниатюры или деревянные ларцы — хохломой.

Важная часть профессии — сохранение культурного наследия. Часть мастеров экспериментируют с сочетанием классики и современных трендов.

Примеры: Ольга Кошкина, которая занимается жостовской росписью; заслуженная художница РФ, мастерица хохломской росписи Таисия Белянцева.

Изображение: Ольга Кошкина / ЖостовоФото: Таисия Белянцева / Нижегородская Биографическая Энциклопедия

Создаёт объёмные произведения из различных материалов: глины, камня, металла, дерева и других. Работа скульптора состоит из нескольких этапов, от разработки эскиза до лепки, литья, резьбы или сварки.

Скульпторы создают памятники и мемориалы, архитектурные элементы и интерьерные композиции. Часто сотрудничают с дизайнерами и архитекторами, чтобы оформить общественные пространства.

Примеры: Beth Cavener, Lou-Brice Léonard, Luo Li Rong, Johnson Tsang, Ellen Jewett.

Фото: Beth Cavener / Follow the Black RabbitФото: @loubriceleonard / «Инстаграм»*Фото: @luo_li_rong_art / «Инстаграм»*Фото: @johnson_tsang_artist / «Инстаграм»*Фото: Ellen Jewett Sculpture

Восстанавливает и сохраняет произведения искусства: старые пожелтевшие картины, осыпающиеся иконы, разбитую керамику, повреждённые скульптуры и мебель. Для такой работы нужны глубокие знания истории искусства и различных техник: например, реставратору картин часто приходится самому дорисовывать полотно так, чтобы его вмешательство не было заметно.

Примеры: Яна Ильменская, Надежда Вихрова, Юлия Устинова, Екатерина Шаркова, Дарья Сваткова.

Генрих Семирадский «Утром на рынок»
Изображение: Яна Ильменская / ВХНРЦ им. Грабаря / Таганрогский художественный музейГенрих Семирадский «Утром на рынок»
Изображение: Яна Ильменская / ВХНРЦ имени Грабаря / Таганрогский художественный музейКопия с картины Ж. Б. Греза «Девушка»
Изображение: Надежда Вихрова / ВХНРЦ имени Грабаря / Музей-усадьба «Мураново» имени Ф. И. ТютчеваФёдор Бронников «Мученик на арене»
Изображение: Юлия Устинова / ВХНРЦ имени Грабаря / Череповецкое музейное объединениеФото: Екатерина Шаркова / ВХНРЦ имени Грабаря / Завод Бахметьева / Государственный музей керамики и «Усадьба Кусково XVIII века»Фото: Дарья Сваткова / Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина / Мастерская реставрации предметов прикладного искусства

Занимается росписью стен и потолков. Благодаря монументалистам прошлого мы сегодня можем любоваться потрясающими росписями в старых церквях и храмах. Сегодня эта сфера отошла больше в область заказных рисунков на стенах комнат, муралов на стенах зданий и уличного искусства — проводятся даже тематические фестивали.

Примеры: Марат Морик, Дмитрий Аске, Дамир Бозик, Александр Дёмкин, Марина Ягода.

Фото: @maratdanilyan / «Инстаграм»*Фото: Дмитрий Аске / TEN девелопментФото: страница Дамира Бозик во «ВКонтакте»Фото: страница Александра Дёмкина во «ВКонтакте»Фото: страница Марины Ягода во «ВКонтакте»

Пишет церковные иконы. Это занятие несколько обособлено от остальных профессий, потому что традиционно иконописец не считается автором — он проводник не своих образов. У написания икон есть свой свод правил, некоторые из которых противоречат классической живописи: например, в иконах используется обратная перспектива.

Примеры: архимандрит Зинон (Теодор), протоиерей Андрей Давыдов, Ирина Зарон.

Сретение Господне. Икона кисти архимандрита Зинона в нижнем храме Феодоровского собора. 2022 г
Фото: Феодоровский соборИзображение: Галерея работ иконописца священника Андрея ДавыдоваИзображение: Ирина Зарон / Содружество в поддержку современной христианской культуры «Артос»

Специальным инструментом наносит стойкий рисунок на кожу человека. Часто татуировщики самостоятельно разрабатывают эскизы для татуировок, заранее или на заказ, поэтому они должны уметь рисовать как художники. И при этом — идеально знать свой инструмент и обладать базовыми медицинскими знаниями.

Примеры: Яна Сулина, Павло Пожидаев, Шэй Моц, Фредерико Рабело, Сандра Даукшта.

Фото: Яна Сулина / Sulina13Фото: Павло Пожидаев / Pasha InkФото: Шэй Моц / Shae Motz TattoosФото: @fredericorabelo / «Инстаграм»*Фото: @sandradaukshtatattoo / «Инстаграм»*

Игровая индустрия. Художники определяют внешний облик игр: разрабатывают персонажей, окружение, предметы и игровые интерфейсы, рисуют красивые иллюстрации для рекламного продвижения. Здесь большой выбор жанров и масштабов: можно заниматься милым пиксельным инди-проектом, а можно стать частью огромной команды в работе над ААА-игрой. В этой сфере нужны специалисты по большому количеству направлений, включая 3D-моделирование и анимирование. Сейчас это самая прибыльная и обширная индустрия для художников.

Анимация. Здесь художники тоже придумывают персонажей, окружение, предметы — только для анимационных фильмов, мультфильмов и мультсериалов. Они рисуют спецэффекты, раскадровки и кадры, занимаются цветовой палитрой и планировкой сцены, делают «композитинг» — то есть собирают финальную сцену воедино из разных элементов. Художники в анимации могут работать в 3D и в разных вариантах 2D: ручная рисованная анимация, скелетная анимация, стоп-моушн-анимация.

Кино. В киноиндустрии художники делают примерно то же, что в играх и анимации. В основном они заняты работой над Sci-Fi- или фэнтези-фильмами, где нужно придумывать несуществующих животных, фантастические образы для персонажей, иномирные локации. Это хорошая сфера для 3D-художников, потому что большинство современных лент используют в производстве моделирование. Порог входа в киноиндустрию выше, чем в анимацию или игры, но и зарплаты обычно больше.

Издательство. Художники иллюстрируют книги, рисуют комиксы и создают арт для настольных игр: карты, игровые поля, фишки. Часто издатели обращают внимание на художников с выделяющимся стилем и тех, кто может подстроиться под эстетику проекта. Можно работать как в цифре, так и традиционными материалами.

Образование. Художники преподают в вузах, школах, онлайн-платформах или проводят мастер-классы. Помимо классического академического образования, популярны курсы по цифровой графике, анимации и 3D. Важны педагогические навыки, умение объяснять сложное простым языком и поддерживать учеников.

Искусство и культура. Художники участвуют в выставках, создают уличные граффити, реставрируют произведения искусства, занимаются традиционными ремёслами, например гончарным делом и росписью посуды. Скульпторы создают публичные статуи, памятники для кладбищ и арт-объекты.

Реклама, маркетинг и дизайн. Это уже поле дизайнеров: они разрабатывают целые визуальные коды для проектов, придумывают упаковку, билборды, постеры, визуалы для кампаний. Художники здесь могут рисовать элементы, которые потом дизайнеры будут использовать в работе. Однако в этой сфере уже активно используют нейросети.

Зависит от очень многих факторов: индустрии работы, опыта художника, конкретной профессии, страны, в которой находится наниматель, состояния рынка.

Например, в США или ЕС зарплата художника будет выше, чем в СНГ. А в крупной известной компании вроде Riot Games художнику будут платить больше, чем в небольшой компании по разработке мобильных игр. Цифровые художники в среднем зарабатывают больше традиционных, потому что могут работать в геймдеве, а у фрилансеров и специалистов вроде татуировщиков доход будет неоднородным от месяца к месяцу.

Можно попытаться вывести среднюю вилку зарплат в зависимости от уровня художника. Важно учитывать, что разброс всё равно будет большой, потому что обычно зарплаты в РФ и в других странах СНГ различаются: например, в геймдев-индустрии художникам в России платят в рублях, а в странах вроде Сербии, Армении и Грузии — в евро и долларах и по более высокой ставке.

  • Джун. Это младший художник с базовыми навыками, часто без особого опыта работы. Он в основном занимается простыми задачами под присмотром опытных коллег. В СНГ его зарплата в среднем будет 30–70 тысяч рублей, в редких случаях может быть выше.
Скриншот: сайт hh.ru / Skillbox Media
  • Мидл. Художник выше уровнем. Он уже уверенный специалист, но пока ещё не может решать задачи полностью самостоятельно. Средняя зарплата в СНГ — 70–200 тысяч рублей.
Скриншот: сайт hh.ru / Skillbox Media
  • Синьор. Старший художник, специалист с сильными хард- и софт-скиллами, который может выполнять задачи уже полностью самостоятельно. Средняя зарплата в СНГ — 90–270 тысяч рублей.
Скриншот: сайт hh.ru / Skillbox Media
  • Арт-лид или арт-директор. Художник-руководитель, который следит за всей арт-командой и может отвечать за продукт. Средняя зарплата в СНГ — 150–400 тысяч рублей.
Скриншот: сайт hh.ru / Skillbox Media

Советы для увеличения дохода:

  • Прокачивайте свою универсальность. Например, если вы традиционный художник — изучите ещё и цифру. Если вы рисуете в цифре — освойте хотя бы базу 3D. Если хотите работать в геймдеве — обязательно осваивайте AI-инструменты, работа с ними уже становится обязательным навыком.
  • Создайте сильное портфолио — это ваша визитная карточка. В нём должны быть только лучшие ваши работы: чисто оформленные, подписанные, с объяснениями, для кого делали и какие были цели.
  • Ищите заказчиков не только на своём рынке, но и на международном. Для этого вам нужно знать английский язык хотя бы на базовом уровне — или умело пользоваться переводчиком.
  • Заявляйте о себе. Ведите соцсети везде, где можете, участвуйте в конкурсах и проектах. Художникам часто предлагают работу потому, что увидели и оценили их рисунки в ленте.
  • Занимайтесь нетворкингом: ищите знакомства и стройте связи в интересующей вас индустрии. Часто предложение о работе приходит потому, что вас где-то посоветовали знакомые.

Глобально материалы делятся на традиционные и цифровые.

  • Традиционные — это все классические материалы, осязаемые и материальные: карандаши, краски, уголь, пастель, тушь. Сюда же можно отнести материалы для скульптуры: мрамор, глина, скульптурный пластилин, гипс, воск, дерево, металл. Результат — картину или скульптуру — можно потрогать руками.
  • Цифровые — это материалы, в работу которых вовлечены компьютер, планшет и специальные программы. В свою очередь программы можно разделить на софт для 2D, 3D и анимации.
  • 2D: самые популярные и востребованные программы для рисования — Adobe Photoshop для растровой графики и Illustrator — для векторной. Если вы хотите работать в геймдеве или киноиндустрии, вы обязаны знать PS. Фрилансеры и те, кто рисует для издательств или для себя, могут выбирать из других популярных программ: SAI, Clip Studio Paint, Krita, Procreate для айпадов.
  • 3D: из популярного софта можно выделить Blender, Autodesk Maya и 3ds Max, Marmoset Toolbag, ZBrush и Substance Painter. Левел-артисты и художники по освещению обязаны знать хотя бы один из популярных движков, например Unreal Engine или Unity.
  • Анимация: для 3D-анимации часто используются те же программы, в которых создают модельки, например Blender или Autodesk Maya. Ещё можно выделить программы Houdini и Cinema 4D, Nuke для спецэффектов, композитинга и постпродакшена. Для 2D-анимации одни из самых популярных — Toon Boom Harmony, TVPaint Animation, Moho (Anime Studio Pro), Spine и Adobe After Effects.

На старте практически всем художникам важно получить базовые навыки. Они станут основой для всего, что вы будете создавать впоследствии. Разберём ключевые:

Перспектива. Благодаря перспективе предметы на листе выглядят так, будто у них есть глубина и размер: дорога кажется уходящей вдаль, а дом — трёхмерным. Дело в том, что наши глаза видят мир с искажениями: линии объектов будто сходятся в воображаемых точках. Перспектива учит передавать эти искажения на бумаге, чтобы создать иллюзию реального пространства.

Тон. Тон обозначает, насколько предмет тёмный или светлый. Грамотное распределение тонов сделает рисунок понятным и читаемым для зрителя. Если в рисунке есть проблемы с тоном, он превратится в мешанину — зрителю придётся потратить время и вглядеться как следует, чтобы понять происходящее.

Композиция. Это умение располагать предметы на листе так, чтобы рисунок выглядел гармонично. Хорошая композиция направляет взгляд зрителя по картине так, как задумал автор, и выделяет главное в рисунке. А ещё — создаёт нужную атмосферу: например, придаёт рисунку динамику и движение или, напротив, делает его спокойным, статичным и умиротворяющим.

Начать изучение композиции можно с разбора базовых схем: например, правила третей или правила нечётных чисел.

Формы и силуэты. От формы и силуэта зависит, насколько интересно и гармонично будет выглядеть персонаж, здание, предмет и что угодно другое. Это особенно важно для дизайна персонажей — грамотно сделанный герой отличается уникальным и выразительным силуэтом. Например, если залить всю фигуру Соника чёрным цветом, он всё равно будет узнаваемым.

Объём. Объём вместе с перспективой делает плоский рисунок трёхмерным. Если перспектива работает только с помощью линий, то объём создаётся светотенью. Например, чтобы шар не выглядел как круг, нужно добавить блики, полутона и тень — так появится ощущение трёхмерности. Чем реалистичнее нужен рисунок, тем детальнее должна быть работа с объёмами.

Пластика. Она про плавность и гибкость самого движения в рисунке, даже если на нём изображён человек в статичной позе. Пластика — это своеобразный ритм между формами и линиями, который проходит через любой органический объект: человека, животное, растения. Она придаёт рисунку живой вид — без пластики всё выглядит «деревянным» и неживым, особенно человеческие фигуры.

Дизайн. Навык создавать говорящий целостный образ. В геймдеве или анимации это может быть продуманный персонаж с характерной внешностью, в живописи — сочетание элементов, которые поддерживают одну идею. Дизайн отвечает на вопрос: «Как сделать так, чтобы всё в работе выглядело цельно и передавало нужную идею?»

Цвет. Цветовая теория — огромная важная дисциплина в рисовании, потому что цвет влияет на очень многое в картине. В первую очередь от него зависят настроение и атмосфера: мы можем создать спокойствие и нежность пастельными оттенками, грусть и одиночество — тёмными и холодными, уют — приглушёнными тёплыми.

Насмотренность и художественный вкус. Это умение замечать детали вокруг себя и в работах других художников, анализировать их и применять лучшее в своих проектах. Чем больше вы изучаете окружающий мир и искусство, тем шире будет ваша внутренняя визуальная библиотека. И соответственно, тем проще вам будет находить удачные решения и избегать штампов.

Скорость. Скорость не означает спешку — это навык быстро рисовать и думать, не теряя качества. Например, сделать за несколько часов пару десятков набросков одного предмета с разными вариантами дизайна. Особенно пригодится в индустриях, где постоянно поджимают дедлайны: игры, анимация, кино.

Знание инструмента. Каждая техника (масло, акварель, цифровая графика) требует понимания материалов. Акварелью нельзя исправлять ошибки так же легко, как карандашом, а в цифре важно знать функции программы. Освоение инструментов избавляет от «борьбы с кистью», позволяет сосредоточиться на творчестве и рисовать быстрее и проще.

Софт-скиллы. Эти навыки стоят особняком, но они тоже очень важны, если вы собираетесь работать художником в студии или на фрилансе. Ряду студий проще дотянуть слабого художника до нужного уровня, чем уживаться с тем, кто постоянно грубит, игнорирует замечания и срывает дедлайны.

Когда вы освоите фундаментальные навыки, можно будет углубляться в специфику для конкретного направления. Например, для создания персонажей нужно знать анатомию, для анимации — понимать движение, для комиксов — хорошо изображать эмоции. Если вы уже понимаете, кем хотели бы работать, смотрите вакансии по этой профессии. В требованиях будет написано всё, чему вам стоит обучиться.

В идеале это сделать до того, как вы приступите к обучению. Фундаментальные навыки пригодятся любому творцу, но в некоторых случаях можно сперва сосредоточиться только на части из них, а остальные подтягивать позже. Например, в определённых стилях детскому иллюстратору не нужна реалистичная анатомия и объёмы, а скульптору необязательно знать цветовую теорию, если он работает с мрамором. Подумайте:

  • Что вас больше всего привлекает: работа над играми, создание анимации, классическая живопись, декоративный дизайн или что-то ещё?
  • Посмотрите на художников из разных сфер. Выберите тех, кто больше понравился, и изучите их работы.
  • Для кого вы хотите создавать: для себя, для аудитории или для работодателя?

Если в первую очередь вам важен заработок, то изучите рынок и посмотрите, какие профессии более оплачиваемые и востребованные.

Это можно сделать самостоятельно и с помощью специалистов: на курсах или на учебё в вузе.

Самостоятельное изучение. В открытом доступе хватает информации, чтобы научиться самому: есть много статей, обучающих роликов и целых каналов, которые посвящены только рисованию.

Плюсы:

  • бесплатно;
  • удобный для вас темп и график.

Минусы:

  • Придётся двигаться вслепую в полной темноте.
  • Вы можете не заметить свои ошибки, и никто вам их не исправит.
  • Обучение получится непоследовательным и займёт больше времени.
  • Есть риск забросить учёбу, когда сроки никто не контролирует.

Советы:

  • Ищите комьюнити: присоединяйтесь к тематическим группам во «ВКонтакте» и к телеграм-чатам художников. Можете присоединиться к пабликам онлайн-школ по рисованию — даже если вы не будете проходить их курсы, они часто публикуют у себя много бесплатной полезной информации.
  • Просите в этих группах или на форумах критиковать ваши работы. Это может быть неприятно, но советы более опытных художников подскажут вам, в какую сторону стоит идти.

Учёба в вузе или училище. Здесь вы получите глубокие фундаментальные знания.

Плюсы:

  • Хорошая системность и структурность, самое глубокое погружение в искусство.
  • Огромное количество практики, которого очень сложно добиться самостоятельно или на курсах.
  • После выпуска вы получите диплом, что может быть важно для работы, например, в госучреждениях.

Минусы:

  • Очень дорого (если не бюджет) и долго.
  • Материал не всегда соответствует современным тенденциям: в вузах могут всё ещё не признавать цифровое рисование и учиться по устаревшим учебникам.
  • Часто студенты выпускаются из вузов выгоревшими, и им требуется время на восстановление и возвращение к творчеству.

Советы:

  • Если всё же хотите поступить в вуз, выбирайте те, у которых хорошая программа практики и стажировки. Например, Университет Строганова или Академию Штиглица.
  • При необходимости дополняйте вузовскую учёбу онлайн-курсами по актуальным направлениям, которые не преподают в университете.

Курсы. Подойдут, если у вас нет времени на высшее образование, а самостоятельно всё искать не хочется. Курсы помогут конкретно и точечно выучить нужный навык в сжатое время — например, обучиться только дизайну окружения.

Плюсы:

  • Профессиональная обратная связь — куратор лично разберёт вашу работу, подметит зоны роста и покажет, как исправить недочёты. Часто преподаватели на курсах — сами практикующие художники из индустрии.
  • Актуальность — большинство онлайн-школ следят за трендами и требованиями рынка и подстраивают свои курсы под них.
  • Нетворкинг — на курсах вы познакомитесь с профессионалами в лице преподавателей, с сокурсниками-единомышленниками и естественным образом вольётесь в художественную среду.

Минусы:

  • Ограниченная глубина. Большинство курсов не смогут дать таких же основательных познаний в ряде дисциплин, как вузы. На рынке есть курсы длиной в полгода или даже год — они погружаются в тему уже глубже, но учёба на них интенсивная и непростая.
  • Есть риск нарваться на некачественные курсы. Перед покупкой читайте отзывы студентов.

Если вы обучились на курсах и тем более в вузе, вы уже получили хорошую базу практики. Но её важно закрепить самостоятельно и заодно набрать работ для портфолио. Если не хватает мотивации и одолевает прокрастинация:

  • Участвуйте в художественных конкурсах и марафонах — их часто проводят разные сообщества. Если у вас на примете уже есть студия или издательство, в которые вы хотите попасть, — сделайте несколько работ в их стиле.
  • Если клиента найти не получается, то просто придумайте его и сделайте под него свой проект. Даже придуманный проект будет держать вас в рамках одной цели и единого стиля, а работодатели будут оценивать его так же, как и реальный.
  • Скажите себе: «Я порисую всего лишь пять минут». Чаще всего первых пяти минут достаточно, чтобы втянуться и сделать сильно больше. А даже если не втянулись — спокойно заканчивайте после пяти минут, на сегодня вы свой минимум выполнили. Даже пять минут в день — уже лучше, чем ноль минут.
  • Вдохновитесь чужими работами. Полистайте Pinterest — поток красивых рисунков способен дать мотивацию взяться за карандаш.
  • Не взваливайте на себя слишком много перфекционистских ожиданий. Вы не обязаны быть гением — в первую очередь вы просто рисуете, потому что вам нравится.

И не бойтесь «плохих» работ, это важная часть роста. Вы практически обязаны ошибиться 50 раз, чтобы на 51-й что-то начало получаться.

Показывайте только лучшие работы: не надо выкладывать старый рисунок со школьного конкурса или стадики — они ничего не скажут о ваших навыках. Оформите каждую работу как следует: подпишите её, расскажите о процессе создания. Покажите под финальной картиной ваши скетчи, по которым видно, как вы придумывали дизайн или разрабатывали композицию.

Если вы уже точно знаете, на какой должности хотите работать, составьте портфолио под неё. Например, если вы хотите быть художником по окружению — выкладывайте только работы по окружению, портреты и персонажи будут лишними.

Где размещать портфолио:

  • ArtStation — самый популярный ресурс для художников, особенно из игровой, анимационной и киноиндустрий. На нём же рекрутеры чаще всего ищут себе сотрудников.
  • Behance — здесь свои проекты размещают в основном дизайнеры и иллюстраторы.
  • Dribbble — зарубежный сайт для дизайнеров, аниматоров и иллюстраторов.

Это не обязательный для работы шаг — в студию художников принимают по их навыкам, а не по раскрученности. Но известность или даже базовая активность в художественных руках может здорово помочь с карьерой: возможно, рекрутер узнает о вас благодаря вашему паблику, или вас порекомендуют друзья-художники.

Ещё собственный паблик поможет вам делиться с людьми своим творчеством, находить аудиторию, единомышленников и даже клиентов: частных заказчиков или издательства. Часто художники с большой аудиторией дорастают до собственного мерча и артбуков.

Где выкладывать свои работы, создавать группу и вести страничку:

  • «ВКонтакте» — самая популярная соцсеть в СНГ;
  • Telegram — тоже очень популярна, часто ведётся в формате личного блога;
  • «Инстаграм»* и X* (бывший Twitter), если хотите больше взаимодействовать с зарубежной аудиторией;
  • Patreon, «Ко-Фи» или Boosty для тех, кто уже собрал лояльную аудиторию, готовую платить за контент.

Дополнительно можно продвигаться и офлайн: участвовать в арт-ярмарках и фестивалях.

Отправляйте резюме на почту конкретным студиям или откликайтесь на вакансии. Последние можно найти здесь:

Делайте каждое письмо адресным, чтобы работодатель видел: вы пишете конкретно ему, а не рассылаете сотни одинаковых писем всем подряд. Не забывайте прикреплять резюме, сопроводительное письмо и портфолио.

При этом продолжайте работать над навыками: творческая индустрия быстро развивается, в ней важно следить за трендами и новыми методами работы.

Плюсы:

  • Творческая самореализация: возможность выражать мысли, эмоции и идеи через визуальный язык. Можно свободно экспериментировать с материалами, стилями, темами и технологиями.
  • Разнообразие направлений и техник: от традиционной живописи до цифрового искусства и 3D, от рисования милых зверюшек до придумывания большой городской инсталляции.
  • Гибкий график: очень часто художники работают на удалёнке из дома, что позволяет свободно выстраивать своё расписание. Даже художники в штате часто могут начинать и заканчивать день в свободном режиме, главное — успеть сделать задачу к дедлайну.
  • Возможность работать со всеми миром: благодаря онлайну физические границы для работы художником стёрлись, клиентов себе можно находить в любой стране.
  • Эмоциональная отдача: искусство вдохновляет других, меняет восприятие мира, оставляет наследие.
  • Постоянное развитие: появляются новые инструменты, техники и способы. Это стимулирует учиться и расти.
  • Работа над интересными проектами: художники принимают участие в создании разнообразных игр, фильмов и комиксов, придумывают образы персонажей, которые западают зрителям в сердце.
  • Потенциал высокого дохода: в коммерческих сферах (игры, кино) зарплаты конкурируют с IT, особенно на старших должностях.

Минусы:

  • Нестабильность: у фрилансеров часто есть периоды «затишья» и авралов, зависимость от заказов. В традиционном искусстве есть риск не найти аудиторию для продаж.
  • Эмоциональные нагрузки: показывать свои творения миру — значит не только получать похвалу, но и периодически сталкиваться с критикой и субъективной оценкой работ. Кроме того, могут случиться творческие кризисы (артблоки), выгорание из-за дедлайнов и коммерческих требований.
  • Конкуренция: много талантливых авторов, особенно в цифровых направлениях. Быстрое развитие нейросетей поднимает порог входа для новичков.
  • Физические аспекты: долгая работа за компьютером ведёт к проблемам со зрением, осанкой, есть риск развития туннельного синдрома.
  • Финансовые риски: в начале карьеры — низкие гонорары, вложения в материалы, курсы, софт.
  • Постоянное развитие: мы отметили его как плюс, но и минусом этот пункт тоже может быть. Если вы работаете в геймдеве или кино, вам нужно постоянно следить за трендами, быстро осваивать новые технологии и подстраиваться под меняющиеся требования.
  • Давление соцсетей: чтобы быть заметным, нужно подстраиваться под платформы и пытаться угадать требования алгоритмов.
  • Риски из-за нейросетей: хотя ИИ всё ещё не может полностью заменить творца, на некоторых должностях из-за него становится уже тесновато, например на позиции маркетингового художника.

Как смягчить минусы:

  • Финансовая подушка + обучение смежным навыкам, например SMM для продвижения.
  • Юридическая грамотность: умение составлять договоры, защищать авторские права.
  • Сообщество: поддержка коллег, арт-группы, менторство.
  • Баланс коммерции и души: 80% заказов на хлеб, 20% — на личные проекты.

Из-за нейросетей мир искусства сейчас находится в переходном периоде, особенно — цифровое рисование. ИИ генерирует картины за секунды и часто — бесплатно, поэтому многие художники беспокоятся, что со временем нейросети отнимут у них работу. Предсказывать что-либо наверняка нельзя, но пока что ситуация такая: художники всё так же нужны, но их роль трансформируется.

ИИ сейчас делает примерно то же, что фотография и цифра: помогает художникам, а не заменяет их. Его применяют в основном для ускорения рутинных процессов: нейросети могут быстро накидать идей, создать подмалёвок для рисунка или отрендерить скетч. Но, как правило, ИИ-рисунки поверх всё равно дорабатывает художник, и финальное решение принимает тоже он. В некоторых случаях нейросети вовсе запрещено использовать — например, в проекте Hearthstone.

Художники-профессионалы тоже считают, что ИИ не сможет заменить художника в будущем.

«Я не думаю, что AI сможет полностью вытеснить настоящих художников. Во-первых, кто-то всё равно должен будет эти AI обрабатывать (по крайней мере, сейчас это необходимо), а во-вторых, AI умеет смотреть только назад и опираться на уже проделанную работу. А живой художник всё же умеет создавать новое и осмысленное. Умеет совершенствовать и развивать идеи. AI может стать хорошим инструментом, но не полной заменой».

Артур Гимальдинов, художник на проекте Hearthstone

Легендарный иллюстратор Ёситака Амано, который рисовал для Final Fantasy и «Ди, охотника на вампиров», тоже уверен: художники будут нужны всегда.

«Так же как промышленная революция привела к исчезновению некоторых видов труда, вполне вероятно, что [из-за ИИ] исчезнут и некоторые другие. Однако чем больше мы развиваемся, тем больше можем дать. И в разгар этой эволюции нам по-прежнему будут нужны оригинальные художники-люди».

Ёситака Амано

Но появление нейросетей повысило планку для коммерческих художников: сегодня от джуна требуют такой набор умений, который 5 лет назад сделал бы его крепким мидлом. Если брать в пример геймдев, то новичок должен хорошо рисовать в 2D, базово моделировать в 3D и грамотно использовать нейросети. Некоторые из крупных студий вовсе не берут на работу джунов, начиная свой грейд от мидлов.

Пока что всё идёт к тому, что будущее коммерческого рисования — это коллаборация человека и нейросети: ИИ может взять на себя технические аспекты и простые задачки, но создание осмысленных рисунков с нарративом и соблюдением всех тонких правил, настоящая креативность — на стороне человека. По прогнозам Newzoo, на фоне растущего рынка игр творческая новизна и оригинальность становятся важнее, чем когда-либо.

И если оторваться от карьеры, творчество — это диалог художника с собой и с другими людьми. Аудитория на фоне появления нейросетей стала ещё больше ценить рисунки, сделанные живым человеком. Мы рисуем потому, что это приносит удовольствие; потому, что у нас есть истории, которые лучше всего выразить в иллюстрации или комиксе; потому, что мы хотим создавать красоту своими руками и показывать её миру. И этому нейросети точно не угроза.

Другие материалы о культуре и искусстве

* Решением суда запрещена «деятельность компании Meta Platforms Inc. по реализации продуктов — социальных сетей Facebook и Instagram на территории Российской Федерации по основаниям осуществления экстремистской деятельности».

Курс с трудоустройством: «Профессия Коммерческий иллюстратор» Узнать о курсе