Этапы музыкального продакшена: как песня проходит путь от идеи до готового трека
2026-02-21 08:26 Diff
https://skillbox.ru/media/music/music-production-steps/

#статьи

  • 14 мар 2025
  • 0

Этапы музыкального продакшена: как песня проходит путь от идеи до готового трека

Простым языком объясняем, что такое миксинг, аранжировка, мастеринг и сонграйтинг.

Иллюстрация: guruXOX / Adobe Stock / интерфейс DAW Logic Pro / Annie для Skillbox Media

Автор. На 50% состоит из музыки и ещё на 50% — из любви к интересным людям.

Начинающих музыкантов часто пугают непонятные термины. Страшно браться за новое дело, когда ещё толком не разобрался, что такое «миксинг», чем он отличается от «мастеринга» и что значат остальные непонятные слова. Сегодня разложим эти термины по полочкам и объясним, за какие этапы музыкального продакшена они отвечают.

В этом материале мы рассматриваем музыкальный продакшен как процесс создания трека в специальных программах аудиообработки. Именно так появляется на свет большая часть современной музыки. Мы расскажем:

Примечание. Все этапы, кроме мастеринга, не обязательно должны следовать друг за другом именно в таком порядке. Но мастеринг — это всегда финал. Поэтому этот текст не пошаговый чек-лист, а скорее справочник по разным аспектам музыкального продакшена.

Подписывайтесь на телеграм-канал «Ты как?». В нём наши коллеги душевно и научно рассказывают о психологии и саморазвитии, а мы по выходным будем делиться там свежими подборками фильмов и музыки ?

В переводе с английского «сонграйтинг» значит «написание песни». В этот этап входит создание концепции, структуры, текста композиции, основной мелодии, аккордовых последовательностей — всего, что делает песню особенной.

У музыкантов могут быть совершенно разные подходы к сонграйтингу. Один пишет текст песни в блокноте, другой сочиняет мелодию, импровизируя на пианино. Кто-то занимается сонграйтингом прямо в программе, а кто-то фристайлит под готовые биты.

На этапе сонграйтинга музыкант уже может начать собирать композицию. Например, записать демоверсию гитарного рифа или вокальную партию на микрофон телефона, собрать простенький бит вместо живых барабанов, добавить синтезаторы. Но делается это не затем, чтобы песня начала звучать хорошо, а чтобы проверить, насколько удачна идея. По сути, автор собирает скелет песни, на который на дальнейших этапах будут наслаиваться другие элементы.

Фото: Rawpixel.com / Shutterstock

Есть ещё один термин, который описывает похожий процесс, — композиторство. Разница между ним и сонграйтингом в том, что композиторство не подразумевает работу с текстом. Первый термин чаще используют, когда говорят об инструментальной музыке, особенно об академической или джазовой. Второй — когда говорят о песнях.

Пример. Музыку к песне «Я шагаю по Москве» написал композитор Андрей Петров, слова — Геннадий Шпаликов. А вот если бы Андрей Петров написал и музыку, и текст, мы бы могли назвать его сонграйтером.

На этом этапе музыкант и звукорежиссёр записывают партии: вокал, гитару, аккордеон, другие инструменты — и превращают их звучание в цифровые файлы.

Чтобы звук получился качественным, важно:

  • Правильно расположить микрофон. Для этого следует выбрать такое расстояние, чтобы запись была громкой, но без искажений. Обычно это 10–30 см от источника звука.
  • Подготовить комнату для записи — устранить лишнее эхо, изолировать микрофон от внешнего шума. Например, можно плотно закрыть окна и двери, а стены завесить специальными панелями, чтобы они не отражали звук.
  • Отследить уровень громкости сигнала, чтобы не пришлось «вытягивать» звук на постобработке или избавляться от клиппинга.
  • Настроить DAW — так называется программа для работы со звуком, в которой можно создавать, записывать и обрабатывать музыку и любые другие аудиоматериалы. Перед началом работы важно убедиться, что аудиоинтерфейс и все устройства работают корректно, а в записи нет задержки.

Один из фундаментальных принципов звуковой инженерии гласит: «Garbage in, garbage out» (англ. «мусор на входе, мусор на выходе»). Это значит, что если запись совсем уж плохая, то никакой постобработкой её не спасти. Поэтому важно серьёзно относиться к процессу звукозаписи и пытаться достичь максимального уровня качества, который возможен в вашей ситуации. По этой же причине музыканты готовы платить немалые деньги за аренду студий и услуги звукоинженеров.

Тем не менее среднего качества запись лучше, чем никакая. Современные микрофоны, аудиокарты и программы позволяют получить хороший результат даже в домашних условиях — главное, знать, как ими пользоваться.

Чистота звукозаписи важна не во всей музыке: некоторые музыканты предпочитают «грязный» звук. Направление, которое намеренно стремится к низкому качеству, называется Lo-Fi. Его пример — легендарный среди ценителей Lo-Fi альбом The Glow Pt. 2 от американской инди-рок-группы The Microphones. Возможно, этот принцип подойдёт и вашей музыке. Главное, помнить: проще «испортить» хорошую запись, чем улучшить плохую.

Этот этап иногда объединяют со звукозаписью, но на практике это два очень разных процесса. Виртуальные инструменты — это синтезаторы, семплеры и прочие источники звука, которые существуют исключительно в вашем компьютере. Обычно они принимают форму VST-плагинов — мини-программ, которые вы запускаете внутри своей DAW.

Lush от английского музыканта Four Tet — пример альбома, полностью записанного с помощью виртуальных инструментов

Большинство виртуальных инструментов позволяют записывать музыку в формате MIDI. Он представляет собой набор команд, которые DAW посылает виртуальному инструменту: «Играй вот эту ноту, в течение такого-то времени, с такой-то громкостью». Большой плюс этого формата в том, что он позволяет в любой момент внести правки в композицию или изменить звучание инструмента без того, чтобы полностью переписывать весь фрагмент.

Так выглядит MIDI-файл в DAW Logic Pro. Каждый цветной отрезок — нота определённой длительности. Её положение влияет на высоту звука (по вертикали) и время воспроизведения (по горизонтали). Цвет показывает, насколько интенсивно звучит нота: синие оттенки — слабее, зелёные — сильнее
Скриншот: Logic Pro

Многие виртуальные инструменты стоят реальных денег: от пары долларов до нескольких сотен. Но существует много отличных плагинов, которые можно скачать бесплатно.

Аранжировка — это переосмысление или дополнение существующего материала. Если классическая музыка вам не чужда, вы, скорее всего, сталкивались с формулировкой «композиция того-то в аранжировке того-то». Она означает, что композитор сочинил само произведение, а аранжировщик дополнил его так, чтобы его могла сыграть группа инструментов, на которую это произведение изначально рассчитано не было.

«Воспоминание о дорогом месте» — композиция Чайковского в аранжировке Глазунова. Чайковский написал композицию для фортепиано и скрипки, а Глазунов переложил её так, чтобы её смог исполнить оркестр

В контексте работы в DAW аранжировка — это процесс, когда музыкант превращает идеи и готовые фрагменты в цельное произведение. Допустим, вы написали текст для композиции, записали вокал и классный гитарный риф, а ещё бодрую бас-партию. Значит ли это, что у вас на руках готовый трек? Скорее всего, нет. Чтобы ваш эскиз превратился в полноценную песню, нужно заняться аранжировкой. Расположить готовые партии в нужном порядке, дополнить их новыми — например барабанами и синтезатором, — а также проработать структуру песни, чтобы она не была слишком короткой или скучной.

Так выглядит работа с аранжировкой песни в Ableton Live. Каждая строка — отдельная партия, расположенная в задуманном аранжировщиком порядке
Скриншот: Ableton

Очень часто аранжировщик и сонграйтер — один и тот же человек. Но чтобы было проще понять, где заканчивается сонграйтинг и начинается аранжировка, представим несколько ситуаций, где ими занимаются два разных музыканта.

СонграйтерАранжировщикСоздаёт текст и простой гитарный аккомпанементДобавляет партии баса и барабановПридумывает куплет и припевДополняет куплет и припев вступлением, заключением, бриджемПишет трек для сольного исполненияДописывает композицию так, чтобы её могла исполнять группаПишет вокальную партиюПредлагает добавить ещё несколько слоёв вокала, чтобы получить более насыщенное звучание

Создание каверов всегда подразумевает работу с аранжировкой. Например, песня Agony от шведского рэпера Yung Lean — очень минималистичное произведение. Большую часть трека здесь звучит только вокал, пианино да редкий синтезатор. Группа Beach Fossils не просто перезаписала песню, но и дополнила её партиями барабанов и баса, добавила новые вокальные гармонии.

На этом этапе музыкант добавляет разные звуки в трек и обрабатывает их. Предположим, вы хотите, чтобы в вашей песне звучал шум леса. Для этого вы можете записать его самостоятельно во время лесной прогулки, а можете скачать готовую запись из интернета — в обоих случаях вы будете заниматься саунд-дизайном. То же самое, если вы решите добавить в трек запись чьей-то речи, звуки повседневных объектов, фоновые шумы. Например, ностальгический шум винила и дыхание в начале песни Wish You Were Here от Pink Floyd — это яркий образец саунд-дизайна в музыке.

К саунд-дизайну относится не только модификация семплов, но и настройка патчей. В этом случае музыкант ковыряется не с конкретными звуками, а с самим синтезатором, чтобы он сразу выдавал нужное звучание. Словом, этап саунд-дизайна охватывает любой процесс преобразования готовых звуков или создания новых.

Интерфейс для работы с патчами синтезатора Vital
Скриншот: Vital

VST-плагины позволяют менять звуки до неузнаваемости. Вы можете взять запись лая собаки, растянуть её, понизить в высоте, добавить реверберацию и получить завывания фантастического кита. Или с помощью пары эффектов и креативной редактуры превратить звуки обеда в ритмичную секцию перкуссии: немного магии — и стук вилок и ножей по тарелкам превращается в бит.

Задача миксинга, или сведения, — сделать так, чтобы партии и звуки в треке звучали хорошо. Что значит «хорошо»? Зависит от вашей творческой задумки. Если вы пишете трек в жанре металкор, то, скорее всего, захотите, чтобы он звучал громко, мощно, эмоционально — но при этом так, чтобы вокал и инструменты звучали разборчиво и не смешивались в непонятную кашу. Если вы пишете EDM-трек, наверное, вы ожидаете услышать выраженные басы, воздушные синтезаторы, бодрый бас-барабан. Добиться этих целей — значит качественно свести трек.

Трек Don’t Reach for Me сведён громко и агрессивно: песня будто набрасывается на слушателя. Здесь такой миксинг работает отлично. А вот нежной рок-балладе он бы совсем не подошёл, хотя в обоих случаях набор инструментов может быть одинаковым: гитары, бас, барабаны, вокал

Как и в саунд-дизайне, во время миксинга музыканты используют эффекты: эквализацию, реверберацию, дисторшен, дилеи. Разница заключается в целях: на этапе саунд-дизайна музыкант добавляет контент, а на этапе миксинга делает так, чтобы этот контент звучал хорошо.

Универсальных правил хорошего миксинга не существует, сведение — крайне творческий процесс. Главное, чтобы итоговое звучание трека соответствовало художественной идее. Поэтому хороший микс-инженер должен не только знать технические аспекты и приёмы сведения, но также разбираться в разных жанрах, уметь слушать музыканта, понимать его требования и аргументировать собственные идеи.

Один из самых известных примеров плохого микса — St. Anger, восьмой альбом легендарной группы Metallica. Его критикуют за малый барабан, который звучит как кастрюля, неразборчивый бас, общую сырость звучания. У альбома есть свои поклонники, но даже они редко встают на защиту такого миксинга

Все этапы выше могут следовать друг за другом в разном порядке. Например, сонграйтерские идеи нередко рождаются в процессе саунд-дизайна, треки начинают сводить на этапе редактирования записей, а во время аранжировки приходится сочинить ещё одну партию. Но мастеринг — это всегда заключительный этап: здесь трек готовят к релизу.

Если во время миксинга звукорежиссёр работает с каждой партией отдельно, то для мастеринга все дорожки проекта сводятся в один трек. В него звукорежиссёр вносит уже финальные изменения — в первую очередь работает над динамикой (громкостью) и эквализацией.

Короткая и наглядная демонстрация того, зачем нужен мастеринг. Верхний, красный, трек — до мастеринга, нижний, зелёный, — после. Мастеринг делает трек более громким и чётким

Предположим, звукорежиссёр получил сведённый трек на мастеринг. Он слушает его на разных устройствах и понимает: низкие частоты (басы) звучат слишком громко, а верхних, наоборот, не хватает. Чтобы исправить это, он может поправить эквализацию прямо на сведённом треке. А если этот же звукоинженер обнаружит, что вокал слишком тихий, то, скорее всего, вернёт трек на миксинг. Голос чаще всего делит частоты с другими инструментами, и простой эквализацией его усилить сложно: своими правками звукорежиссёр может случайно «подтянуть» не только вокал, но и остальные партии трека.

Главная задача мастеринга — довести до совершенства динамику, то есть громкость трека. С помощью лимитеров звукорежиссёр предотвращает слишком громкие пики, не давая звуку искажаться, а компрессор сглаживает резкие перепады громкости, делая звучание более цельным и плотным.

Кроме того, общая громкость трека должна соответствовать техническим требованиям стриминговых сервисов. Важно, чтобы композиция находилась в пределах рекомендуемого уровня громкости (обычно около −14 LUFS), иначе платформа с помощью грубого алгоритма автоматически уменьшит или увеличит её громкость, что может плохо сказаться на качестве звучания.

Так выглядит интерфейс плагина для мастеринга Ozone от компании iZotope. Здесь мы видим три основные вкладки: эквалайзер, имаджер, который позволяет визуализировать стереокартину трека, и максимайзер — инструмент для настройки динамики
Скриншот: iZotope Практический курс: «Создание электронной музыки 3.0» Узнать о курсе